Kon-Tiki

Cómo tardan algunas películas en llegar. Nominada al oscar a la mejor película extranjera, Kon-Tiki narra la famosa epopeya de Thor (no podía llamarse de otra forma) Heyerdahl y sus otros tripulantes sobre una balsa hecha exclusivamente de madera de balsa y sogas de cáñamo, para atravesar el Pacífico desde El Callao (Perú) hasta la Polinesia. Todo para demostrar su teoría de que este viaje fue posible ya en la época preincaica.

  kon-tikiPasando algo desapercibida en su momento por el bombardeo mediático de la moda Haneke y su soporífera Amor, Kon-Tiki por fin nos trae una película nominada a los Oscar como Mejor Película Extranjera que no es un drama intimista, una denuncia política, o cualquier otro género que no amenace el cine espectáculo del que tienen la exclusiva en Hollywood. Pero una vez vista se entiende. A pesar de contar una aventura marítima a mediados del siglo pasado, no hay en la misma grandes momentos épicos, música tipo James Horner o John Williams que provoquen una congoja en nuestro ser interno, grandes planos que enseñen la capacidad del ser humano para superarse cuando parece que todo se viene abajo, y ni siquiera está Angelina Jolie a bordo. O sea, que los americanos jamás querrían hacerla.

 Y a pesar de lo que cuenta, la película se basa en los personajes, tal vez demasiado someramente dibujados, algo caricaturescos, tal vez conscientes de que, a pesar de lo tremendo del viaje que se llevó a cabo, pocas situaciones excepcionales se dieron para una película para el gran público. Un encuentro con tiburón ballena, una tormenta, o alguna caída al agua no es suficiente para llamar la atención de Harrison Ford, Hugh Jackman o Bruce Willis. Por lo tanto, el interés de la cinta está tal vez en sabe que es un hecho real, que es la historia de un hombre que se empeñó en un sueño absurdo y lo dejó todo por ello, en demostrar algo hasta sus últimas consecuencias. O sea, en un Friki. Quizás la gente necesaria para abrir nuevas fronteras como tal vez intenta explicar en ese plano cenital que asciende desde los navegantes hasta el espacio exterior y la Vía Láctea para retornar de nuevo a su soledad en el mar.

 Buen ritmo, con algo de humor, y sin caer en la teatralidad europea (el gran lastre de las películas de aventuras o de época del viejo continente), Kon-Tiki es una película muy entretenida, sin grandes pretensiones y se nota que hecha con pasión por lo que están contando. Tal vez me entronca con otra nominada en la misma categoría este año, Un Asunto Real, de Dinamarca, para hacer notar que la calidad del cine Escandinavo no se encuentra sólo en vivir del pasado de Bergman, o de modas en recreaciones de la novela negra.

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El Mayordomo (The Butler)

Qué bonito es volver a la esencia de la juventud. Allá por los años ochenta y principio de los noventa no había temporada de premios Hollywoodiense donde no hubiera una película épica de superación humana que abarcara la vida de alguien que luchara contra la injusticias y los cambios históricos por hacer una América mejor (así, sin respirar ni nada). Tal vez por estar en época de crisis y necesitados de ilusiones de superación y futuro mejor, los Weinstein han pensado que es el momento de volver a ello.

The_Butler_El_mayordomo_Lee_DanielsEl Mayordomo (The Butler) tiene todos los ingredientes para ello. De una infancia sin futuro de un niño negro recogedor de algodón en el sur, hasta el reconocimiento por parte del presidente de la mayor potencia mundial. El sueño americano perfecto. De la segregación y el abuso de los años 20 a un presidente negro en la Casa Blanca. God Bless America. Bueno, la América de EEUU, pero eso se da por descontado.

Estas epopeyas tienen que tener unos ingredientes básicos: momentos emotivos, un reparto plagado de estrellas (más o menos) y pequeños papeles (Mariah Carey, Lenny Kravitz, John Cusack, Jane Fonda, etc.) un recorrido por grandes fotografías históricas del país ejemplo del siglo XX, un protagonista omnipresente, un o una secundaria imprescindible y abnegado en el ascenso de la estrella, y un “inspirado en una historia real” que no es obligado pero ayuda. Desde Elegidos para la Gloria o Un lugar en el Corazón hasta Forest Gump los ejemplos son numerosos, pero por temática me vienen a la cabeza dos obvios: El Color Púrpura y Arde Mississippi. Los ingredientes se barajan, pero la esencia de epopeya los une.

El caso es que en estos menesteres los norteamericanos son unos maestros. Hacen máquinas de celuloides perfectas donde todo encaja a la perfección. Fotografías que resaltan los momentos, músicas en crescendo, una dirección encaminada a emocionar, unos actores emotivamente sobreactuados (carne de nominación a los oscars). En este caso el mayordomo, Forest Whitaker es un actor “Guadiana”. Desaparece un tiempo para aparecer luego de nuevo en papeles bombón. Ya nos sorprendió en aquella maravillosa Juego de Lágrimas después de ir paso a paso en obras como Platoon, Bird, Good Morning, Vietnam, y seguir actuando después para conseguir al fin el oscar que sonaba en sus oídos por El Último Rey de Escocia haciendo un papel desagradable. No es de extrañar que vuelva a ser nominado, quien sabe.

La secundaria de lujo en este caso es Oprah Winfrey, haciendo de esposa sufridora por la ausencia de un marido sacrificado a su trabajo. Momentos luz para que brille, se nota que el director Lee Daniels es fan de la estrella (lo más parecido que tienen en EEUU a una nobleza), y que tiene en vena el recuerdo de la presentadora/productora/actriz en El Color Púrpura. A verdad es que la señora cumple a la perfección su cometido. Inolvidable el momento Soul Train, y para detener un momento tanto drama e intensidad pongo  vídeo de Soul Train con la canción de los People’s Choice que baila la estrella (Party is a Groovey Thing)

Película de negros rodada por negros al fin, es la aportación necesaria para contar ellos mismos como han sufrido hasta conseguir llegar a lo más alto del sueño americano: tener un presidente de color. Criticar con pequeñas dosis el hecho de ser como los blancos quieren (ácida la crítica simpática al prototipo Sidney Poitier en su época) y flases de lo que ocurrió en el país especialmente desde finales de los cincuenta a principio de los ochenta. La película también nos sirve para, comparando con otras más antiguas sobre el tema, ver cómo ha evolucionado la visión de su historia por los americanos. Curioso es como siguen viendo a los Kennedy como “la realeza inmaculada” del país, y como dan golpes sin compasión a presidentes como Lyndon B. Johnson o Richard Nixon. Simpática resulta también que obviaran a Carter, un presidente tan gris que tal vez ni ellos quieren recordar, y la ambigüedad con que tratan a Reagan, tal vez aún muy reciente en la memoria.

En fin, que es el típico producto Hollywoodiense hecho para premios, aunque dudamos que alcance muchos, el cual muchos calificarán de “americanada”. Pero hay que reconocer que qué bien hacen esas “americanadas”.

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Las Brujas de Zugarramurdi

Si algo define a Alex de la Iglesia es el exceso. Y no creo estar descubriendo nada nuevo. No me lo imagino haciendo una película intimista, quien sabe. El director vasco vuelve a sus constantes en Las Brujas de Zugarramurdi, aunque esta vez sin tejados de edificios madrileños en su apoteosis final.

 La trayectoria de Alex de la Iglesia se puede definir por su irregularidad, donde de entrada ofrece más de lo que uno se encuentra después. Sobre el papel sus películas suenan estupendas. Los trailers y la publicidad prometen mucho, pero luego te quedas delante de la pantalla con un extraño sabor de boca a: “sí, vale, pero…”. Sin embargo hay que reconocerle que es de los directores españoles que más tiempo llevan en primera fila actualmente. Tal vez es que la sombra de El Día de la Bestia es muy alargada.

Las_brujas_de_Zugarramurdi_poster1 Las Brujas de Zugarramurdi tienen un comienzo de infarto. Sus primeros 45 minutos son fantásticos. De manual. Un disfrute de estrés donde la acción y el humor no abandonan, haciendo las delicias del espectador. El dúo Mario Casas y Hugo Silva funcionan como las mejores parejas del cine, y los personajes que se van añadiendo, desde “ese señor que va a Badajoz” y el hijo de Hugo Silva, hasta el taxista Jaime Ordoñez hacen el contrapunto perfecto. Una delicia. Sólo por esta primera parte vale la pena la película, donde ya se van dando los apuntes de otra pareja constituida por Secun de la Rosa y Pepón Nieto. Una primera hora en estado de gracia.

 Luego, una vez llegados a Zugarramurdi el ritmo decae, la cinta transcurre a marchas algo forzadas y se pierde el sentido del tempo. No está mal, pero perdemos la progresión continua, el progreso de la acción. Carmen Maura, Terele Pávez y Carolina Bang hacen lo que pueden en un guión que se nota que necesitaba ser pulido en sus personajes. Se alargan innecesariamente las situaciones, que ya han quedado posicionadas y entendidas, y tarda en llegar la apoteosis final, la cual a su vez sufre un lastre de discursos y recreación. Menos mal que ahí están los policías, o las episódicas apariciones de “esas brujas señoras del PNV” encarnadas por Carlos Areces y Santiago Segura para devolvernos a la comedia de replicas que funcionó tan bien en la primera parte.

 La idea de establecer la brujería como una lucha de sexos le da un punto de vista divertido y original a la que por otro lado hubiera sido “una más de brujas”. Ponerlos a ellos como marionetas en manos de mujeres, y a ellas como las que deciden en cada momento lo que hay que hacer y con quien, se burla de los patrones sexistas al uso en el cine sin caer en el agotador discurso reivindicativo. Y es que sólo quiere divertir.

 Estupendo los actores. Sobre todo el trío de Hugo Silva, Jaime Ordóñez (actor por fin que se le da una oportunidad de desencasillarse del gracioso de telecomedia) y especialmente Mario Casas, que desde Grupo 7 no hace sino crecer. Tan poco amigo que soy de la joven generación salida de la televisión adolescente española, a los que me cuesta a veces hasta entender lo que dicen, creo que este actor se ha graduado ya entre los versátiles capaces de afrontar cualquier papel. Estupendo en su rol de ingenuo atracador.

 Llena de guiños a la cultura vasca (la Mari, la madre tierra, la Gargantúa), de los cuales se me escaparán la mayoría, Las Burjas, comedia con traca final típica de Alex de la Iglesia, acaba cojeando en lo que me parece que hacen todas sus películas: falta la mano de un ¿guionista? ¿productor? que sea capaz de limitar los excesos emocionales del director y le de un toque de atención cuando el disfrute personal haga que la película se le vaya de las manos. Nadie es perfecto, pero al menos nos ha dado su mejor trilogía con El Día de la Bestia y La Comunidad. O tal vez la mejor de todas hasta la fecha. Cuestión de gustos.

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Gravity

Bienvenido al musical. Tranquilos que no hay canciones. Ni casi hay música en muchas ocasiones. Pero hay danza. Mucha danza. Y encima es un musical de los de antes. Planos secuencias donde vemos el discurrir de los bailarines y sus habilidades para la expresión corporal. Un musical en tres actos.

gravity-movie-poster Acostumbrados como estamos ya a los musicales tipo Chicago, Nine y otros recientes, donde los mil planos por segundo no nos permitían saber si los actores bailaban o hacían stop-motion, Alfonso Cuarón basa la magia de su película en el baile de sus actores, especialmente de Sandra Bullock, auténtica estrella de este ballet. Es difícil comentar algo sin recurrir al spoiler. Secuencias como la vuelta a nacer en posición fetal tras quitarse el traje espacial son auténticos regalos que muestran la transición entre el primer y el segundo acto de este teatro sin cortinas. Y la Bullock hay que decir que baila bien, muy bien. No sólo sus movimientos, sino la tensión de cada músculo del cuerpo que se nota que se lo ha trabajado atléticamente.

Suelo ignorar el 3D, ya que es una estrategia comercial que no sólo me es indiferente, sino que además me molesta para ver las películas. Las gafitas, la pérdida de luminosidad y los mareos del movimiento hacen que siempre suela elegir el formato 2D, encima más barato. Que no están los tiempos para tirar euros. Sólo en una película anterior había sentido realmente su utilidad (y no hablo de Avatar, que el sopor lo llevé mejor dormitando). Me refiero a la maravillosamente irregular La Invención de Hugo de Martin Scorsese. Pues bien, en este caso el 3D es absolutamente obligatorio. Gracias a él nos sentimos integrados en esta danza por la inmensidad del espacio, y formamos parte del mundo sensorial de los protagonistas. Una nueva muestra de que la elección de color, blanco o negro, 2D, 3D, etc., no debe regirse por las modas sino por necesidades expresivas.

A estas alturas ya habrán comprendido que la película me ha gustado. Y mucho. 90 minutos (cada día agradezco más cuando una obra no dura dos y tres largas horas sin motivo, cosa tan de moda en el cine de hoy en día) de tensión, disfrute visual, planos secuencias perfectamente coreografiados, actores (bueno, actriz) perfectamente dirigida. Tal vez de esas películas que pasen a la historia como la mejor experiencia espacial que el cine haya podido hacernos sentir. Lo más cerca que estaremos muchos de un viaje de este tipo.

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SIN RESPUESTA

El pasado 15 de julio puse una entrada donde comentaba la realización de un corto muy de actualidad llamado SIN RESPUESTA (https://haticusfinch.wordpress.com/2013/07/15/sin-respuesta/) . Por la temática y la calidad del mismo recomendábamos su visionado.  Pues ya es posible verlo al participar en el FESTIVAL DE CORTOMETRAJES IBEROAMERICANOS ABC. Ahí les dejo el enlace, que lo disfruten y valoren si creen que lo merece: http://fibabc.abc.es/videos/respuesta-2737.html

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Cine de ¿verano?

Este verano ha sido muy poco cinematográfico. A mi pereza por los estrenos estivales se unen las vacaciones y el querer estar más en la calle y menos en una sala, por lo que para otros es el momento de los blockbusters, para mí es un paréntesis hasta la próxima temporada de obras que tiren irremediablemente de mil bolsillo en taquilla. Así y todo, a final he visto dos obras completamente diferentes. Una, una película pequeña, europea, de temática en principio difícil; otra, una gran producción con efectos y ciencia ficción. Una: Hannah Arendt. La otra Elysium. Y como me repito siempre, busco cosas que me entretengan, sea en sentidos o mente indistintamente, pero que en todo caso cuenten una historia.

hannahReconozco, sin más mínimo pudor que no tenía ni idea quien era Hannah Arendt, y que una película sobre una pensadora y filósofa no estaba entre mis inquietudes más festivas. Pero como a veces hay que hacer caso a recomendaciones, y en el fondo todo tema es bueno bien contado, me introduje en la sala de cine veraniego abierto a cualquier posibilidad. Sin entrar en debate he de reconocer que ando un poco harto de historias sobre lo mal que lo pasaron los judíos (cosa que nadie duda) mientras ellos ahora son extremadamente crueles y provocan atrocidades a otros (lo cual demuestra que nadie aprende de sufrimiento propio). Pero bueno, la película no va sobre el enésimo juicio a los criminales nazis, sino sobre el episodio que provocó las reflexiones de la protagonista sobre la definición de culpa, el cumplimiento del deber por parte de los funcionarios alemanes en el Tercer Reich, e incluso la no acción de propios dirigentes judíos sobre tan horrible etapa de la humanidad. Por horrible que sea un hecho, siempre es mejor reflexionar sobre él, las causas que lo provocaron, y como es el caso que ocupa, discutir sobre si un funcionario más de la cadena es culpable de realizar su trabajo y si en su simpleza no hay pensamiento acerca de que ello lleva a la muerte de millones de personas, o si la omisión de acción por parte de autoridades judías facilitaron esta atrocidad. Obviamente en un tema tan sensible conlleva un escándalo social, y más en los años 60 cuando aún estaba todo demasiado reciente, y produce un rechazo y aislamiento hacia la pensadora que es acusada hasta de negar el holocausto o culpar a los propios judíos.

En todo caso la película es ágil, entretenida, y demuestra que todo tema es susceptible de ser llevado a la gran pantalla si se domina algo tan complejo y sencillo a la vez como el tempo cinematográfico. Claro que nada de ésto sería posible sin el estupendo personaje que compone Barbara Sukowa como Hannah Arendt.

En todo caso, el resumen que he hecho aquí reconozco yo mismo que es discutible, y otros tendrán otra visión de la película y sobre lo que trata, pero eso la hace más rica y compleja. Muy recomendable.

Tras este baño de pensamiento y filosofía, me sumergí en algo más ligero, Elysium. Desde luego una película que provenía del director de Distrito 9, Neill Blomkamp, ya merecía mi atención, aunque también era consciente que ya en las garras de Hollywood su discurso estaría más descafeinado. La historia en principio tenía puntos en común con su primera y magnífica película Distrito 9, donde vestía una obra de ciencia ficción alienígena con una entretenida reflexión sobre el apartheid y el miedo al otro, lo cual le llevó a una nominación a la mejor película en los oscars. Aquí se convierte en Elysium en un debate sobre la diferencia de clase y el derecho a la sanidad, tema candente en la actualidad en países como España.

elysiumHe leído críticas que van desde la tibieza hasta la gran decepción acerca de Elysisum, probablemente basadas en unas expectativas demasiado elevadas. Es cierto que ni de lejos llega al nivel de Distrito 9, pero si obviamos que las diferencias y similitudes entre ambas, constituye una buena película de entretenimiento veraniego, que defiendo en base a la existencia de una historia, lo cual la diferencia de otros estrenos veraniegos cuya línea argumental suele resumirse en “corre corre que te pillo” o similares. Su argumento es muy bueno, aunque no tanto ya su guión, donde hace un poco aguas en la relación “amor de la infancia” y como he leído por ahí, en un perfil tal vez demasiado mesiánico del protagonista, encarnado por Matt Damon. Al final, el “malo” de la película, el sudafricano Sharito Copley (protagonista de la cinta anterior) resulta con más matices e interesante que el protagonista, aunque al final de la película se le va de las manos al director.

La que sí podemos establecer como la decepción de la película, es el papel que compone Jodie Foster. Interesante personaje sobre el papel, se queda finalmente reflejado en tres líneas y una simpleza que sorprende. Una pena.

En todo caso, repito, si no llega a venir precedida por Distrito 9, Elysium hubiera sido vista como una entretenida, simpática y bien intencionada película de ciencia ficción, con lagunas y simplezas pero que nos hubiera hecho pasar una estupenda tarde de verano. Y no hay que analizar más.

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Sin Respuesta

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Desconcierta, como la música estridente que te pone la compañía de teléfonos para sacarte de tus casillas. Penetra, como el timbre desagradable de tu compañero. Reconforta, como cuando le dices a tu interlocutor un par de cosas. Satisface, como a aquel que ha visto una buena pieza. (Urko Aristi Urdampilleta)

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sinrespuesta1 De acuerdo con la Wikipedia, ese Ojo-Que-Todo-Lo-Ve, ese Gran Hermano del siglo XXI, un cortometraje es una producción audiovisual  o cinematográfica  que dura menos de 30 minutos. Los géneros de los cortometrajes abarcan los mismos tipos que los de las producciones de mayor duración, pero debido a su coste menor se suelen usar para tratar temas menos comerciales o en los que el autor tiene una total libertad creativa. Y si lo dice la Wikipedia va a misa. Y punto.

 Recientemente, el pasado 25 de junio, se presentó en la sala La Escalera de Jacob del madrileño barrio de Lavapiés el corto Sin Repuesta del director, guionista y presentador de Estrella Invitada de Canal +, Miguel Parra. Ya sabemos que los cortometrajes tienen difícil hueco entre el circuito audiovisual, por lo que normalmente no se comentan, pero de vez en cuando hay que romper esa barrera. ¿Y porqué? Pues porque en esta ocasión he tenido el placer de verlo y porque el tema es de absoluta actualidad.

 Es difícil comentar 8 minutos sin destripar sorpresas, por lo que me limitaré  a decir que trata el espinoso mundo de esas voces de las teleoperadoras que se dedican a recordar a los morosos los pagos de hipotecas que deben a sus queridos amigos los bancos, los cuales tan amablemente les prestaron dinero para la compra de casas. ¿Qué hay detrás de esa voz?

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En estos tiempos oscuros de crisis y austeridad, hay que destacar el enfoque valiente y distinto que nos ofrece el director Miguel Parra en su corto “Sin Respuesta”. Podemos acusar a políticos y a banqueros de todo el sufrimiento que padece la sociedad actual, pero debemos mirarnos en el espejo y preguntarnos si no somos, nosotros mismos, eslabones de esta inmensa cadena de sufrimiento. El personaje que interpreta la actriz Natalia Mateo no parece ser consciente de este hecho. En su trabajo, encerrada en un claustrofóbico cubículo, acosa y acorrala a los deudores de su banco. Deudores que deben escoger entre pagar sus deudas o dar de comer a su familia. En ningún momento parece darse cuenta del dolor que causa realizando su trabajo, y que la magnitud de esta crisis ha multiplicado. Esta crisis, esta falsa crisis que algunos utilizan para imponernos su austeridad, tiene mil caras. No se resume en los papeles de Bárcenas o en las duras advertencias de la canciller Merkel. Están las historias de miles de familias que intentan sobrevivir a su paso, y están también las historias de aquellos que se han convertidos en simples eslabones de la cadena de mando y no quieren aceptarlo (Victor Ortega)

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El debate sobre los morosos y los bancos, precisamente por su actualidad, podía haber caído en el tópico o en contarnos lo que ya todos sabemos, como los bancos han jugado con nosotros y ahora que se les ha derrumbado el chiringuito nos llaman culpables de sus desmadres, pero Parra ha preferido mostrarnos lo que todos a veces nos preguntamos: ¿que hay detrás de esa voz que nos recrimina nuestros problemas anónimamente por teléfono? Tendemos a pensar que es el propio Botín el que nos lo solicita, que es un banquero enchaquetado nadando en dinero detrás de una mesa del piso 40 de un rascacielos de la city, pero en el fondo no deja de ser un trabajador más. ¿Qué siente al realizar la llamada?

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Perro no come perro
Han pasado más de 53 años desde que AtticusFinch enseñó a sus hijos que “uno no comprende realmente a una persona hasta que no se mete en su piel y camina dentro de ella”. El corto de Miguel Parra, “Sin Respuesta”, protagonizado por Natalia Mateo en el papel de una teleoperadora-en apariencia- sin escrúpulos, no hace más que recoger el impacto del desasosiego y la violencia encubierta con la que el poder económico azota a la sociedad de hoy. Miguel hurga en esta herida de nuestro país sin hacer concesiones a la sensiblería, con una mirada que puede parecer inocente e incluso humorística, pero que no lo es en absoluto.
 “Sin respuesta” es la vida misma. Su autenticidad impregna cada imagen, cada frase, cada gesto de Natalia al teléfono como gestora de cobros, en donde matiza como nadie la dicotomía de un espíritu dividido: el verdugo y las victima conviviendo en su piel. Natalia hace que intuyamos el despertar de su conducta perversa a la que el trabajo le obliga. Un despertar matizado, que el director Miguel Parra no quiere cerrar al final, al igual que no lo está el abuso de las entidades bancarias sobre la sociedad.
 Las voces telefónicas, que de forma certera dan vida a las victimas, son perfectas en sus diferentes personalidades. Voces relacionadas íntimamente con el actual tiempo y espacio, y sin los que no podría entenderse esta historia de canibalismo ético. Tal es así, que en “Sin respuesta” Miguel nos lleva ante la frontera entre la deshumanización y la esperanza. Al momento exacto en el que toca elegir un nuevo mundo de moralidad o permanecer en el viejo orden basado en el miedo. 
 Así, ante ese dilema, Miguel Parra y Natalia Mateo retratan un momento de la historia que avergonzará a los españoles del futuro. Ese en el que tiene más valor cincuenta metros cuadrados de losa y ladrillo que la vida de quienes lo habitan. Ese en el que muchos nos preguntamos: ¿Qué se puede hacer? Y vuelven a surgir entonces las palabras de Atticus Finch “Uno es valiente cuando, sabiendo que la batalla está perdida de antemano, lo intenta a pesar de todo y lucha hasta el final, pase lo que pase. Uno vence raras veces, pero alguna vez vence” (Sergio Bang. http://www.bang.com.es)

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 Este original tema de partida podría caer a su vez también en el tópico, pero dando una nueva vuelta de tuerca el director va mostrando distintos aspectos de la personalidad de la operadora para que seamos nosotros mismos quienes saquemos nuestras propias conclusiones. Y eso es lo mejor de estos 8 minutos a ritmo de thriller que no da respiro.

sin respuesta2 Dicha estas premisas, es obvio que el corto se fundamenta en el papel de la teleoperadora, una omnipresente Natalia Mateo, actriz con los suficientes registros y calidad como para mostrarnos lo que quiere y dejar que su rostro nos deje otras veces en la duda de lo que piensa en realidad. Si pudiera competir a los Goyas a la mejor actriz un papel de cortometraje (no tengo ni idea si eso es posible), desde luego Mateo estaría nominada. Actriz única en pantalla. Su rostro está en permanente charla con nosotros y, ya sea con morosos desesperados por teléfono, o con compañeros de trabajo, plantea situaciones y temas que deben ser habituales en estos casos.

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“He visto “Sin respuesta” y me ha dejado golpeado. Es tan real que duele como la vida y está tan lograda que enseguida te sientes contemplando un documental, no una ficción… ¿pero esta historia es una ficción?… Creo que no, es todo tan reconocible, es todo tan actual, que es la vida nacional de hoy, el pan de cada día…
¿Esa “Banca Fácil” a cuantos nombres reales encubre?
El corto de Miguel Parra te golpea, te duele y la actuación de Natalia Mateo te acojona, te asusta. La España presente esta ahí mismo y da miedo, mucho miedo.” ( Julio Peñas)

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La ambientación también nos focaliza al personaje de Natalia Mateo, gran parte del mismo en su cubículo de trabajo encerrada entre luces y sombras al margen del mundo, mundo que sólo aparece cuando sale de su jornada laboral. Mientras, compañeros y familia son solo voces que retumban en sus oídos.

 ¿Cómo siente una persona que trabaja dando malas noticias? ¿Tiene vida, familia, amigos, preocupaciones? Todo en 8 minutos.

 sinrespuesta3El público que hemos podido verlo hasta ahora hemos quedado impactado por la actualidad del tema, la crudeza de algunos planteamientos, y la soberbia dirección y actuación, tal y como refleja en los comentarios insertados a lo largo de este texto como reflejo de que sólo desde la perspectiva del espectador se puede dar auténtico valor a la propuesta presentada, y que su complejidad no permite un análisis unidireccional y lineal de la propuesta del director Miguel Parra.

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 Fiel a mi idiosincrasia de no opinar (y así no tener que mentir) acepté la solicitud del Sr. Parra de no dar mi opinión una vez visto el corto “Sin respuesta”… pero no lo cumplí.
Conocía de antemano la sipnosis, y aún así tuve la suerte de que se me olvidara el final. Por lo tanto pude meterme desde el principio en el ambiente angustioso que se logra gracias al buen trabajo de Natalia Mateo y a ese escenario reducido.
Simplemente unas consideraciones:
1.- Si has trabajado de teleoperador te identificarás (Cómo lo ha conseguido el Sr. Parra con su guión y Mateo con su actuación es un misterio que prefiero dejarlo sin resolver)
2.- Si has caído en la tentación (o necesidad) de solicitar un crédito de esas compañías de créditos fáciles…tendrás miedo.
3.- Si tienes problemas de visión… seguirás “disfrutando” ¿Habrá versión radionovela? Funciona muy bien simplemente escuchándolo, y eso significa una cosa: el guión es bueno y el ritmo funciona.
No dudaba de la capacidad del Sr. Parra, pero me vi gratamente sorprendido.
PS. Sugerencia: lo próximo un corto documental sobre algún personaje ¿marginal? Creo que me gustará ver el punto que el Sr. Parra puede lograr a conseguir ( Javier Glez. Quintanilla)
Director y actriz protagonista durante la presentación del corto

Director y actriz protagonista durante la presentación del corto (Foto: Julio Peñas)

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No te pierdas la interesante entrevista que hicieron en el programa de cine La Script de cadena SER al director Miguel Parra y a la actriz Natalia Mateo:

La Script

Puedes seguir las noticias sobre el cortometraje Sin Respuesta en la página :

Página de Facebook de SIN RESPUESTA

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